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Taller en la Escuela con el centro CADI_EL CRISOL

Ayer en la Escuela de Artes tuvimos uns visita muy especial…un grupo de chicos de CADI_EL CRISOL nos visitaron para compartir una tarde de compañerismo, alegría y pintura de dedos.

Al principio cada uno estaba en su sitio, pero a la media hora todo estaba lleno de movimiento!!! Con el material generado los alumnos de la Escuela con la ayuda de la Ilustradora Ana Delgado realizaremos un mural para que lo tengan en su hogar.

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Muchas gracias al equipo del Centro CADI_EL CRISOL por hacer esto posible y a todos los que se acercaron a dibujar y pintar…había mucha implicación y compañerismo en todos. GRACIAS!!!

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LOS PRELIBROS DE MUNARI

El otro día tuve la suerte de encontrarme en la biblioteca  del Centro donde trabajo LOS PRELIBROS de Bruno Munari. Había leido cosas sobre esta obra pero no había tenido el placer de tenerla en mis manos. Es una pasada. La edición, el concepto y el montaje. Lástima que cueste 120 €, sino me lo compraría.

Os dejo este artículo:

El constructor de libros. Bruno Munari y los prelibros. Texto de Eduardo Vivanco en la revista Transfer, nº 11. Editor: Ricardo Sánchez Lampreave
http://www.redlibrodeartista.org/El-constructor-de-libros-Bruno

Bruno Munari encontraba los libros infantiles “aburridos y sin sorpresas” y decidió hacer él mismo los libros para su hijo. Creía en la creatividad de los niños, en la posibilidad de tener un pensamiento elástico y es así como nacen obras como Nella Notte Buia y Nella Nebbia di Milano (Einaudi), arquitecturas virtuales que en libros de menos de un centímetro de espesor generan espacios en los que el lector no lee, “atraviesa” el libro y experimenta el espacio allí representado. Con el uso del papel vegetal, de páginas agujereadas, de objetos con cara y espalda, y otros recursos bidimensionales, logra generar una tercera dimensión en la acción de pasar la página (algo similar a la sensación de movimiento por la sucesión de fotogramas en una película), y con la ilusión de un vector de lectura transversal al libro destruye su orden desplegando las páginas en el espacio e introduciendo al lector en un paisaje compartido por éste y el autor. Su labor creativa en el campo de la literatura infantil le proporcionó el Premio Andersen al mejor autor infantil, y aún hoy vemos muchas de sus ideas en libros para niños.

Su ironía también le llevó a hacer libros ilegibles. Tal vez su origen se encuentre en la Mesa táctil para una niña ciega (1931), collage de diversos materiales que llamaban a interpretar abstractamente rugosidades, aromas y temperaturas. Los libros ilegibles no contenían palabras y eran sucesiones de recortes de papeles de diversos colores y texturas. Los realizó desde 1949 a 1992 y fueron exponiéndose en galerías y editándose de manera artesanal. Germinaron en talleres infantiles donde los niños fabricaban y contaban los cuentos de sus padres.

En 1979 idea y realiza los Prelibros (editados por primera vez en 1980 por Danese y últimamente reeditados por Corraini), una Enciclopedia de objetos que parecen libros para niños de edad preescolar, que aún no saben leer ni escribir, y que les ayudan a familiarizarse con la lectura despertando el deseo por los libros. Son doce tomos distintos, de 10 por 10 cm. (el tamaño de un disquete), fácilmente asibles por las manos de niños. Son estímulos visuales, táctiles, olfativos, sonoros, térmicos… Están dotados de lenguaje y de significado, contienen unas reglas o un discurso que se rompe o manipula causando sorpresa, admiración o simple encanto, transformando la lectura pasiva en activa, incluso en creativa.

Los seis primeros son de la familia del papel. El LIBRO I tiene una gruesa hebra de lana roja que atraviesa todas las páginas de arriba abajo generando suspense por saber adónde va. En el segundo vemos a un hombrecillo estilizado de pie que, al ir pasando las páginas, da media voltereta de forma que vuelve a estar otra vez de pie si se coge el libro al revés. En el siguiente juega con figuras y fondos introduciendo infinitos círculos unos dentro de otros. El LIBRO 4, con muchas páginas de muchos colores, es muy similar al libro ilegible MN5, generando un poema cromático subjetivo. El quinto, de cartulina verde, tiene hormigas dibujadas y algunos agujeros redondos a través de los cuales se ven otras, haciéndonos cómplices de la vida animal. El sexto, como un cuaderno, contiene manchas geométricas de colores primarios que, con plásticos transparentes de color, permite ver de una forma mágica y divertida la formación de secundarios.

Los seis últimos libros son de materiales distintos al papel, siendo los más innovadores. Proyectados en base a las mismas intenciones: el respeto de las dimensiones, la imposición de la simetría, el título LIBRO en portada y contraportada (truco para convertir objetos insólitos en libros), estos Prelibros sugieren mensajes que son estímulos sensoriales muy especiales… El LIBRO 7, de páginas de felpa naranja agujereadas con distintas formas, permite introducir los dedos o mirar a través, como un antifaz. El octavo, de lana rosa, tiene en casi todas sus páginas un cortecito en el medio y en la página central un botón blanco con el que poder unir las páginas. El noveno, tres tablillas de madera clara con unas incisiones perceptibles al tacto que, al cerrarse con rapidez, suenan como unas castañuelas. El LIBRO 10 es de plástico rígido esmerilado con una trama que va desvaneciéndose y un gato y un ratón que se persiguen con le movimiento de las páginas. El LIBRO 11, de plástico transparente con grandes puntos amarillos, reproduce un juego de malabarismo haciendo girar balones al aire. Y el último es de fibralín negro y páginas blancas, con agujeros diversos. Aquí se aprovecha de nuestra percepción y nos engaña, pero regalándonos una alegre pelotilla de peluche con la que jugar.

Son libros para tocar, manosear, arrugar, acariciar, oler, morder… que propician el poder encontrarse entre las manos un libro que se parece al vestido de mamá, al mantel del desayuno, a la silla del cuarto, o a nuestro muñeco favorito. Esto sí que es una aventura.

Andy Goldsworthy

Este artista británico es intrigante. Al contrario que otros artistas del Land Art como Christo y Jeanne-Claude o Walter de Maria, trata el espacio físico de la naturaleza de una forma sutil, pues es con el propio material que rescata de su aleatoriedad natural, con el que nos obsequia de composiciones bellísimas resueltas in situ y cuya grandiosidad radica en que dejarán de existir en un breve lapso de tiempo.

Esta es la página se pueden ver todas las obras del artista GOLDSWORTHY

En este documental se le puede ver cómo trabaja con sus manos y con el tiempo.

Estas piezas nos invitan a una reflexión profunda de quienes somos y dónde estamos y de cómo es la relación actual con la naturaleza que nos rodea.

ABRIGOS PARA MUEBLES!!!!

Me acabo de encontar esto que me ha dejado de piedra, entre estupefacta y emocionada. Definitivamente quiero un abrigo para mi mesa del salón!!!

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No dejéis de visitar su página, tiene propuestas muy interesantes en las que predomina sobre todo la versatilidad y las ganas de sorprender a través de elementos cotidianos anodinos…

ARCO 2011 y CASA PASARELA

El viernes pasado nos trasladamos a Madrid para visitar dos ferias en el IFEMA. De Casa-Pasarela cabe destacar la poca afluencia de stands, lo que hacía que la feria pareciese vacía y el sentimiento general de todos los asistentes era de “no innovación” en los productos que allí se exhibían. Por su parte ARCO, como de costumbre, nunca deja indiferente, pues entre todas las galerías siempre se encuentran piezas recurrentes, interesantes, atractivas y peculiares. Conocidos tales como Juan Genovés, Antonio López, Chillida, Tápies, Picasso, Ernesto Neto…se dejaban encontrar en la marabunta comercial de la feria.

Esta es una pequeña muestra de las cosas que más me llamaron la atención, y espero me sirva también para retomar el blog.

Comenzamos curso con Doris Salcedo.

Llevaba tiempo queriendo postear, pero las prisas a veces no te dejan dedicarte a estas cosas. Estreno el curso (que está ya bien empezado) con esta entrada en la que expongo la obra de una artista colombiana que me ha llamado mucho la atención. Sencillamente alucinante.

DORIS SALCEDO

Instalación para la Bienal de Estambul. 2003. Son 1600 sillas ocupando el hueco entre dos medianera.

Sufrimiento contra el juego. Reflexión frente al mercado. Memoria para conjurar el olvido. Doris Salcedo trabaja con rigor y elude expresamente el artificio cuando quiere dar voz a la gente que vive en la periferia social. Sus obras parten de la experiencia vital de esas personas que no cuentan para los historiadores y, como ella misma ha reconocido, su dolor es la materia prima con la que elabora sus esculturas.

Salcedo estudió Bellas Artes en Bogotá y amplió después su formación con un postgrado en la Universidad de Nueva York. Un año después, en 1985, firmó la obra que la convirtió en la artista colombiana más afamada, consistente en 280 sillas colgadas en la fachada del Palacio de Justicia de su ciudad natal, símbolo de la masacre ocurrida allí cuando un grupo terrorista se hizo fuerte en el edificio y el ejército provocó más de 100 muertes entre magistrados, funcionarios, visitantes y guerrilleros durante el ataque para recuperar su control. A partir de entonces, Doris Salcedo dejó de ser una artista convencional, porque “aquella obra abrió la puerta a otros elementos, como el tiempo, el espacio público y la memoria”.

Prácticamente toda la obra de Salcedo gira en torno al grave problema de la violencia en Colombia y a su devastadora incidencia sobre el tejido social. La artista viaja a las zonas más deprimidas de su país y habla con las familias de los asesinados para incorporar sus testimonios a las esculturas e instalaciones que construye, porque “el artista no es una persona creativa”, sino alguien que “conecta pensamientos, historias y materiales”.

Doris Salcedo utiliza a menudo para hacer sus esculturas muebles a los que priva de su carácter familiar para darles un aire de malestar y horror. Así se anunciaba ya en la primera de sus obras que alcanzó la fama: un mural compuesto de zapatos metidos en nichos y cubiertos por una fina película transparente.

Sus obras han sido expuestas en museos tan importantes como el MoMA de Nueva York, el Pompidou de París, el Art Institute de Chicago, el Reina Sofía de Madrid y la Tate Modern de Londres. Fue, precisamente, en esta última institución donde alcanzó niveles de popularidad masiva gracias a la famosa ‘Grieta’ de 167 metros que creó en 2007 para su Sala de Turbinas. El dramático agujero que rasgaba el suelo del museo londinense quería ser símbolo de la división de clases, del racismo, “de la separación que existe entre la humanidad y la falta de humanidad.”

La propia Doris Salcedo define su obra como “perturbadora, conflictiva y difícil,” aunque los más importantes directores de museos y críticos de Arte consideraron que “es una artista moderna” que “posee claves para situar en la Historia la eclosión de artistas latinoamericanos de las últimas dos décadas”. Así lo reflejaron en el acta de concesión del Premio Velázquez de las Artes Plásticas de 2010.

 

Del objeto encontrado al mueble.

En este nuevo de trabajo de Análisis y Diseño de Mobiliario, los alumnos de 3º de Interiores de la Escuela de Arte de Ciudad Real ponen de manifiesto su gran creatividad y su entusiasmo hacia la asignatura. (como bien demostraron en la exposición PLASTÍCATE JUGANDO)

Debían partir de un objeto encontrado en la basura para realizar una pieza de mobiliario. Tenemos de todo: una bañera, un tambor de lavadora, un carrito de la compra,una silla rota, neumáticos, un antiguo macetero, una maleta, bidones…cuyos acabados son más que profesionales en algunos casos…Bravo chicos, una vez más me sorprendéis para bien.

El último trabajo consiste en reinterpretar una lámpara de 3,5 Euros…a ver qué cosas salen¡

OPTIMISMO E ILUSIÓN

Esta conferencia la vi el otro día, y no puedo menos que compartirla. Es de un empresario llamado Emilio Duró y no tiene desperdicio.

En youtube son 12 partes. Dejo también el enlace de vimeo que son sólo dos.

VIMEO EMILIO DURÓ.

JUAN GENOVÉS

La primera vez que vi un cuadro de Juán Genovés fue hace años, en una revista de arte que aún hoy conservo. Sobre cristal y con oleo sugería siluetas tumbadas con manchas de pintura…me impresionó el realismo que causaban de lejos, y la cromacidad abstracta que transmitían de cerca.

Desde entonces, y siempre que me encuentro con su obra, no puedo pasar por alto su presencia, ya que sus cuadros a parte de tener una técnica exquisita, plantean una humanidad que vaga, que se relaciona, que se mueve como una masa, un todo que pierde su individualidad, potenciada por los contrapicados que proyectan las sombras de los cuerpos al unísono, hacia un mundo vacío de imágenes.

Este último cuadro se llama LA FRONTERA. Me emociona su simbolismo. Refleja la crudeza de los límites que trazamos.

11 de Diciembre. Día completo.

El pasado viernes 11 de Diciembre varios alumnos de diferentes niveles y yo, nos trasladamos a Madrid con una agenda bastante apretada.

1. Palladio en el Caixa Forum.

2. Círculo de Bellas Artes con “The Circus Design”

3. Fundación Telefónica con Oscar Niemayer.

4. Matadero con el mes del diseño Finlandés.

5. Reina Sofía con Rodchenko y Popova.

Sólo hubo 7 alumnos aventajados que aguantaron el día entero estoicamente, a ellos mi más tremenda enhorabuena.

Todo un día lleno de diseño.

Y como conclusión saco que al MATADERO hay que ir de vez en cuando, pues el espacio es espectacular y las actividades que proponen prometen.