Una de las primeras cuestiones que había que abordar a la hora de proyectar los espacios fue la máxima simplicidad formal debido al gran número de espacios y de escenas y a la multitud de cambios que se producían entre ellos (un total de 10 espacios  y 29 cambios entre 1ª y 2ª parte).

A parte, por las características del guión y por las coreografías, debía ser algo que no tuviese demasiado volumen y que acompañase esa energía tan fresca de texto y personajes, dando idea de los espacios pero dejando al espectador que completase el puzzle de la historia en su retina. Estar sin ocupar, dar idea sin saturar.

Se llegó a la conclusión de usar una serie de elementos fijos: 4 bastidores metálicos, una mesa de 2x1m de madera  y 6 taburetes de ruedas, todo ello blanco para servir de base y no aportar información. Y a través de detalles construidos de gomaeva de quita y pon, gracias a imanes, se podían producir los cambios de escena de manera muy rápida.

Así quedaron los espacios diseñados:

Este primero debía ser una casa actual, con cierto toque de diseño. Potenciado con el contraste de complementarios y la chaise longue.

En la orilla del río, se producía uno de los solos de la protagonista cargado de emotividad. Se resolvió con cuatro árboles.

La plaza del pueblo debía dejar constancia de que el pueblo entero era “malo”.

La casa de Ana debía mostrar una casa sesentera con su toque de pueblo.

La azotea debía tener un toque mágico, pues también se produce una canción romántica entre protagonistas.

La residencia de ancianos se refleja mediante la mezcla de colores y la disposición de los elementos.

La sala de espera sólo aparece al principio de la obra, por lo que la maceta es reutilizada en otro espacio.

En la consulta del médico se le dice a una de las protagonistas que tiene cáncer, por lo que la falta de ornamentación resalta el carácter intencionado de un espacio inocuo.

Se quedaron 3 escenas sin espacio proyectado porque o bien eran muy breves o la coreografía era tal, que no cabía nada más.

Este es el resultado el día del estreno. El diseño de luces se debe a Rodrigo Manchado, sin él, el resultado diferiría mucho.

Y esto es lo que se veía entre cambio y cambio…

Como en todo proyecto, uno no puede dejar de ser autocrítico con el trabajo realizado, pero en líneas generales, he aprendido muchísimo trabajando con el equipo y con el Director sobre todo. El diseño de espacios escénicos es una labor muy compleja en la que el Diseño de Interiores abandona la ergonomía y la antropometría para llenarse de “superobjetivos” de luz y color. Es un mundo que engancha y en el que la creatividad adquiere todo el protagonismo.

Estoy deseando empezar el siguiente.

Esta es la página se pueden ver todas las obras del artista GOLDSWORTHY

En este documental se le puede ver cómo trabaja con sus manos y con el tiempo.

Estas piezas nos invitan a una reflexión profunda de quienes somos y dónde estamos y de cómo es la relación actual con la naturaleza que nos rodea.

A parte de que el lago escogido es un sitio espectacular, el montaje inspirado en el cuadro de LA MUERTE DE MARAT de Jacques-Louis David es impresionante. (Es uno de los cuadros más representativos de la Revolución Francesa y la trama de la obra es una historia de amor que se desarrolla en ese momento histórico)

Si quieres saber más sobre el festival pincha aquí.

Desde luego el espectáculo debió ser brutal como poco.

A ver qué tal la nuestra

El entramado de madera sinuoso, alegórico y casi imposible, alberga desde un museo hasta un mirador.

El estudio bioclimático se puede leer de manera más profunda haciendo click en la imagen siguiente.

En este video se puede ver desde diferentes puntos de vista ensalzando el contraste tan controvertido que ha suscitado las polémicas relativas al proyecto de Mayer. Desde luego es un proyecto que no deja indiferente al viandante y que casi con seguridad se acabará convirtiendo en uno de los hitos arquitectónicos de la ciudad.

Dejo el video doblado al español por si alguien quiere repetir. Dice cosas muy interesantes que nos deberían hacer pensar a todos.

Y esta es una conferencia TED de Sir Ken Robinson, que desde luego no nos puede dejar indiferentes…

Ójala y que mis clases fomenten la creatividad, aunque sea un poco!

kamkam

No dejéis de visitar su página, tiene propuestas muy interesantes en las que predomina sobre todo la versatilidad y las ganas de sorprender a través de elementos cotidianos anodinos…

GRADO YA EN DISEÑO DE INTERIORES PARA CASTILLA LA MANCHA!!!

Es su página podéis encontrar todas sus obra y su biografía: Andy Denzler.

Esta es una pequeña muestra de las cosas que más me llamaron la atención, y espero me sirva también para retomar el blog.

DORIS SALCEDO

Instalación para la Bienal de Estambul. 2003. Son 1600 sillas ocupando el hueco entre dos medianera.

Sufrimiento contra el juego. Reflexión frente al mercado. Memoria para conjurar el olvido. Doris Salcedo trabaja con rigor y elude expresamente el artificio cuando quiere dar voz a la gente que vive en la periferia social. Sus obras parten de la experiencia vital de esas personas que no cuentan para los historiadores y, como ella misma ha reconocido, su dolor es la materia prima con la que elabora sus esculturas.

Salcedo estudió Bellas Artes en Bogotá y amplió después su formación con un postgrado en la Universidad de Nueva York. Un año después, en 1985, firmó la obra que la convirtió en la artista colombiana más afamada, consistente en 280 sillas colgadas en la fachada del Palacio de Justicia de su ciudad natal, símbolo de la masacre ocurrida allí cuando un grupo terrorista se hizo fuerte en el edificio y el ejército provocó más de 100 muertes entre magistrados, funcionarios, visitantes y guerrilleros durante el ataque para recuperar su control. A partir de entonces, Doris Salcedo dejó de ser una artista convencional, porque “aquella obra abrió la puerta a otros elementos, como el tiempo, el espacio público y la memoria”.

Prácticamente toda la obra de Salcedo gira en torno al grave problema de la violencia en Colombia y a su devastadora incidencia sobre el tejido social. La artista viaja a las zonas más deprimidas de su país y habla con las familias de los asesinados para incorporar sus testimonios a las esculturas e instalaciones que construye, porque “el artista no es una persona creativa”, sino alguien que “conecta pensamientos, historias y materiales”.

Doris Salcedo utiliza a menudo para hacer sus esculturas muebles a los que priva de su carácter familiar para darles un aire de malestar y horror. Así se anunciaba ya en la primera de sus obras que alcanzó la fama: un mural compuesto de zapatos metidos en nichos y cubiertos por una fina película transparente.

Sus obras han sido expuestas en museos tan importantes como el MoMA de Nueva York, el Pompidou de París, el Art Institute de Chicago, el Reina Sofía de Madrid y la Tate Modern de Londres. Fue, precisamente, en esta última institución donde alcanzó niveles de popularidad masiva gracias a la famosa ‘Grieta’ de 167 metros que creó en 2007 para su Sala de Turbinas. El dramático agujero que rasgaba el suelo del museo londinense quería ser símbolo de la división de clases, del racismo, “de la separación que existe entre la humanidad y la falta de humanidad.”

La propia Doris Salcedo define su obra como “perturbadora, conflictiva y difícil,” aunque los más importantes directores de museos y críticos de Arte consideraron que “es una artista moderna” que “posee claves para situar en la Historia la eclosión de artistas latinoamericanos de las últimas dos décadas”. Así lo reflejaron en el acta de concesión del Premio Velázquez de las Artes Plásticas de 2010.